Sopro-Projecto de Arte Contemporânea

Soraya Vasconcelos

2011-12-17T09:51:00.000-08:00

4 Pinturas

Pintura

De 15 de Dezembro a 15 de janeiro

Estes trabalhosmarcam, entre outras coisas (há sempre outras coisas), uma vontade de fugir àvelocidade mecânica da fotografia, procurando no gesto e na materialidade datinta algo de presença, algo que se erga perante o corpo como uma intimação.Das diferenças entre os meios uma das mais expressivas é certamente amaterialidade da superfície; o que num é representado noutro é corpóreo.

A precisão écoisa contrária a estes trabalhos, é antes a desintegração da forma e do olharque se procura, aquela que acontece devido ao crescimento desmesurado de algoselvagem, ou ao captar uma imagem contra o sol em que a clareza se dissolve embrilhos e escuridões.

P5-1

152x235 cm

óleo sobre papel

P5-3

152x235 cm

óleo sobre papel

P5-2

152x235 cm

óleo sobre papel

P5-4

152x235 cm

óleo sobre papel

tratar-se-á de uma coisa interna

15x10cm

escrito à máquina

não foi intencional, penso eu

15x10cm

escrito à máquina

repetir a respiração

15x10cm

escrito à máquina

Vistas da Exposição

Manuel Furtado dos Santos

2011-11-19T10:30:00.001-08:00

Elementa

De 17de Novembro a 10 de Dezembro 2011

A Galeria Sopro - Projecto de Arte Contemporânea apresenta, a partir dodia 17 de Novembro, a mais recente exposição do artista plástico Manuel Furtadodos Santos intitulada ELEMENTA.

A mediação tecnológica da percepção contemporânea é a temática basedeste projecto expositivo, no qual, através do recurso à Pintura e àFotomontagem, se desenvolve uma arqueologia visual das primeiras tecnologiasdigitais dos anos 80. Desenterrando essa nossa antiguidade mais recente dá-se aperceber que o dia de hoje pode ser esquecido antes mesmo de chegar o amanhã.

Para atingir esse propósito, Furtado dos Santos funde a imagem digitalcom a pintura e decompõe o simulacro resultante nos seus elementosfundamentais. O retrato e a paisagem são formatos arquetípicos que nestetrabalho se equilibram no pixelquadrado, no qual nem o vertical nem o horizontal prevalece. Múltiplos desseelemento fundamental compõem por sua vez uma hiper-imagem com que é confrontado o observador.

Esta produção também é umahomenagem às personagens cyborgs emque projectámos e apaziguámos os nossos receios e expectativas em relação àtecnologia e também. Estamos assim paralelamente a retratar a produção culturalque tem por base o super-poderconferido pela democratização digital da produção, edição e publicação.

Loading Apoptosis – Cellular Digital Spectroscopy (Spectrum)

2011, Acrílico sobre Tela

80 x 120 cm

Rendering 3D Model – Volume Element 4 (Voxel 4)

2011, Óleo sobre tela

90 x 70 cm

Digital Microscopic Imaging - Biological Zoom in

2011, Óleo sobre tela

148 x 200 cm

Macroscopic access to the Microchip

2011, Acrílico sobre chapa de cobre

80 x 80 cm

Microchip – Central Processing Unit (CPU)

2011, Acrílico sobre tela

80 x 120 cm

Revived by portable Life Support Unit – Power LoveResponsibility

(Oxímoro4)

2011, Acrílico sobre tela

80 x 60 cm

Revived from the Dead – Electricity as High-tech (Oxímoro 3)

2011, Acrílico sobre tela

80 x 60 cm

Revived by Neuro-Electronics – always on duty (Oxímoro 2)

2011, Acrílico sobre tela

80 x 60 cm

Revived by Nuclear Fusion Artificial Heart – PoweredHuman

Exoskeleton (Oxímoro 1)

2011,Acrílico sobre tela

90 x 70 cm

Fatal Exception has occurred,

Print Screen 4 (prt sc 4)

2011, Prova digital (1/3)

50 x 80 cm

Digital Misconception – Installation Scanning,

Print Screen 3 (prt sc 3)

2011, Prova digital (1/3)

50 x 74,5 cm

Digital Misconception – Installation Scanning,

Print Screen 2 (prt sc 2)

2011, Prova digital (1/3)

50 x 74 cm

Digital Misconception – Installation Scanning,

Print Screen 1 (prt sc 1)

2011, Prova digital (1/3)

50 x 74 cm

The Corporate Hourglass, Volume Element 3 (Voxel 3)

2011, Prova digital (1/3)

50 x 70,5 cm

The Corporate Hourglass, Volume Element 2 (Voxel 2)

2011, Prova digital (1/3)

50 x 70,5 cm

The Corporate Hourglass, Volume Element 1 (Voxel 1)

2011, Prova digital (1/3)

50 x 72 cm

The internet’s panoptic view of life, Picture Element3 (Pixel 3)

2011, Prova digital (1/3)

70x50 cm

Elementary Elemental, Picture Element 2 (Pixel 2)

2011, Prova digital (1/3)

70 x 58 cm

Revived as Cyborgs, Picture Element One (Pixel 1)

2011, Prova digital (1/3)

70 x 58,5 cm

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Vistas da Exposição

Raquel Mendes, Katri Walker e Stina Wirfelt

2011-10-14T11:39:00.000-07:00

Write Me

Vídeo/Fotografia/Instalação

De 14 de Outubro a 13 de Novembro

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Write me procura criar umdiálogo entre os espaços, paisagens e recordações que cada uma das artistas nosapresenta. As artistas documentam e exploram, através do vídeo e fotografia, omodo como o indivíduo absorve e desenvolve os diversos papeis sociais e comportamentos padrão justificados porinfluências culturais e por associação com os outros.

Write Me apresentauma colecção de histórias visuaisonde as narrativas se movem entre o pessoal, o filosófico, opoético, o cómico e o político.

The Making of ThreeGuns for a Killing

HD vídeo, 20' (1/5)

2011

Mula de Luxo

De Raquel Mendes

Lambda print

100 cm x 66 cm

2011

Entrances- I: The Entrance

De StinaWirfelt

1/3

HD Vídeo, 2'00'’

2011

Entrances- II: The Bulding

De StinaWirfelt

2/3

HD Vídeo, 2'25'’

2011

Entrances- III: The Grave

De StinaWirfelt

3/3

HD Vídeo, 2'09'’

2011

Vistas da Exposição

Miguelangelo Veiga

2011-09-10T16:08:00.000-07:00

(A SUIVRE)#2

Après le début la fin, après la fin le début.

08 de Setembro a 09 de Outubro

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Os trabalhos desta exposição continuam e concluem a série de obras iniciadas no final de 2010 (apresentadas em Coimbra no início de 2011). Nesta apresentação foi seleccionado um desenho que, apesar de fazer parte da investigação anterior, por razões meramente formais ficou guardado. Todas as obras aqui apresentadas divergem desse desenho e manifestam-se em suportes sobre os quais tenho desenvolvido a minha investigação.

Cada peça representa assim uma estrutura contaminada por uma ideia de arquitectura, que evolui a partir do esboço de uma imagem fotográfica, proveniente de uma paisagem urbana em ruína que retirei da internet. Não me recordo da origem dessa imagem. Apesar disso, recordo-me de uma parede removida quase por completo de uma fachada que no interior tinha uma mesa, duas cadeiras tombadas e um quadro de uma paisagem, pendurado numa parede que resistira a um bombardeamento. Retirei todos os elementos que indicassem a presença de um espaço habitado e removi da estrutura do edifício o espaço depurado que tinha despertado a minha atenção. Ficou como que suspenso no ar entre uma espécie de ascensão e queda. O desenho tornou-se deste modo mais importante do que a imagem original, permitindo uma nova interpretação de escala, cor e textura que outrora tinha sido suprimida pela representação fotográfica.

Artes Visuais Pintura

The Fall

2011

Técnica mista (acrílico, esmalte e gesso) sobre madeira

480x250 cm

From Image to Structure and Back Again
2011
Poliestireno, Madeira e Gesso, Televisor e Câmara CCD
250x300x200cm

Estudo para “The Fall”

2011

Esmalte, Grafite e tinta da China sobre papel

30x40 cm

Estudo para “The Fall”

2011

Esmalte, Grafite e tinta da China sobre papel

30x40 cm

Estudo para “The Fall”

2011

Esmalte, Grafite e tinta da China sobre papel

30x40 cm

Lighter than air – The Fall

2011, Acrílico sobre tela, 155x204 cm

Vistas da Exposição

2011-06-28T09:50:00.000-07:00

Ricardo Pistola

landEscape

Pintura

De 22 de Junho a 30 de Julho

Iteração
Um envelope chega pelo correio. Você abre-o. Dentro tem uma fotografia sua, abrindo um envelope. Visível na foto está o carimbo do correio no envelope com a data de hoje.
Zoom
A história aparece-lhe num sonho. Você chama-a de “Iteração”. Escreve-a num bloco de notas que está ao lado da sua cama. Na manhã seguinte a página está em branco.
Reiteração
Um envelope chega pelo correio. Você abre-o. Dentro tem uma fotografia de uma página do bloco de notas. Visível na foto está um conto curto escrito à mão intitulado “Iteração”.    
Fractal Geometry (1989) de Lewis Shiner

landEscape II
2011, acrílico s/tela, 150x170 cm

landEscape III
2011, acrílico s/tela, 150x180 cm

Diagram III
2011, acrílico s/tela, 120x140 cm

Diagram I
2011, acrílico s/tela, 150x100 cm

landEscape I

2011, acrílico s/tela, 170x120 cm

landEscape IV

2011, acrílico s/tela, 130x77 cm

Bill

2011, instalação, dimensões variáveis

Diagram II

2010, acrílcio s/tela, 140x120 cm

Construction

2011, acrílico s/ tela, 90x50 cm

2011-06-28T08:03:00.000-07:00

Vistas exposição

2011-05-31T08:56:00.000-07:00

Paula Prates

Clivagem

Desenho / Pintura

De 26 de Maio a 18 de Junho

Entre as fissuras da estrutura mineral

O cristal é um sólido formado por arranjos internos de átomos e moléculas regularmente repetidas, e distingue-se pelas suas faces externas. As suas partículas assumem formas geométricas, tais como arestas, ângulos e planos, directamente ligadas à sua malha elementar. Lembrando paisagens, alguns cristais mudam de cor, como quartzo rosa ou ametista, que podem empalidecer em exposição prolongada ao sol.
Vem isto a propósito da exposição Clivagem de Paula Prates, na Galeria Sopro em Lisboa, a decorrer entre Maio e Junho de 2011, na medida em que, ao olharmos para os desenhos em tinta-da-china ou grafite, de imediato, os associamos à mineralogia e às configurações geométricas que os cristais assumem. Nas pinturas, as gradações de tons quentes sobre tons frios realçam a dimensão escultórica daqueles sólidos, que adquirem uma composição paisagística através da sua justaposição e sobreposição.
Recorrendo a vários meios, as obras que constituem a exposição, convidam a experimentar a noção de fractura inerente à estrutura do cristal. O termo clivagem, em mineralogia, designa a forma como os minerais se quebram seguindo os planos da sua estrutura interna. Em parte, o interesse pela constituição mineral e pela compreensão abstracta que as suas formas exigem, explica a intimidade da artista com a geometria. O horizonte de investigação plástica delineado pelo encontro das duas áreas – mineralogia e geometria –, tem vindo a ser reiteradamente confirmado pelo percurso desenvolvido por Paula Prates, ora no suporte bidimensional ora na expressão tridimensional. As instalações site-specific “Intervenção Pictórica” no espaço da Fábrica do Braço de Prata e “Arquitectonic” no Pavilhão 28 do Hospital Júlio de Matos, ambas em Lisboa (2010), são exemplo disso. Elas colocam à vista o princípio da geometria, a saber: a representação do espaço e dos objectos que podem ocupá-lo, dos volumes e coordenadas a eles inerentes, através da conversão para a linguagem bidimensional (e vice-versa). As obras anteriormente referidas, intercalam o registo pictórico com a arquitectura dos edifícios onde as mesmas foram expostas, como se as linhas, saindo das paredes e adquirindo espessura arquitectónica, se soltassem dos planos. A partir delas, somos levados a experimentar o edificado como um organismo vivo, em que o corpo inerte da arquitectura se liberta da sua rigidez e estaticidade. O mote que subjaz a esta orgânica, activa um jogo entre as linhas, os planos e os materiais dando forma ao espaço, gerando um lugar de relações, de superfícies e vazios – tensões que se mostram sem se materializar. Não é estranho, portanto, que através do conjunto de obras apresentado na exposição Clivagem, possamos ver também a representação plana a adquirir tridimensionalidade. Não se trata apenas de, por analogia ou semelhança, poder discernir composições volumétricas oriundas do universo geológico nessas representações. Elas adquirem espacialidade própria por abrirem um campo de clivagem para a projecção da nossa experiência real, onde a falha, a queda e a perda podem ter lugar. No desenho, as gradações do grafite ou da tinta-da-china e os brancos fornecidos pelo papel abrem para nós horizontes de profundidade, que se estendem para lá da galeria onde se mostram, rompendo virtualmente a sua construção física. De facto, nestas obras abre-se um espaço para a projecção do nosso corpo que, frente a elas, é obrigado a procurar a sua posição. Estes corpos-pictóricos, de onde está ausente qualquer figuração humana, comportam-se perante nós como paisagens depuradas, abrindo um hiato em frente do qual, estando nós com os pés assentes na terra, temos a sensação de poder imergir. Deste modo, não estamos dentro nem fora da tela, nem incluídos nem excluídos do perímetro que as obras ocupam, mas antes «apanhados» no seu intervalo de tempo ou clivagem. Esta ideia de fissura está já presente noutras séries da artista, nomeadamente, “Diferent views” (2008), “Seven other directons” (2009) e, sobretudo, “Caos-nuvem” (2009), um conjunto de pinturas sobre o estado gasoso que adquire aí constituição mineral. É na fracção de tempo, ténue passagem entre o gasoso e o mineral, que ocorre a clivagem. A partir dela, podemos experimentar a intensidade das pequenas rupturas como se fossem o acontecimento total.

Sara Antónia Matos

Maio de 2011

Clivagem #3

2011, óleo s/ tela, 115x150 cm

Clivagem #2

2011, óleo s/ tela, 100x135

Intrusão

2011, tinta da china e aguarela s/ cartão, 82x120 cm

Paisagem #5

2011, tinta da china e lápis de grafite s/ cartão, 41x60 cm

Paisagem #1

2011, tinta da china s/ cartão, 41x60 cm

Paisagem #3

2011, tinta da china e lápis de grafite s/ cartão, 41x60 cm

Paisagem #6

2011, tinta da china s/ cartão, 41x60 cm

Paisagem #2

2011, tinta da china e lápis de grafite s/ cartão, 41x60 cm

Paisagem #4

2011, tinta da china s/ cartão, 41x60 cm

Não São Só Rochas #8

2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #10

2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #9

2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #7
2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #6
2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #5
2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #4
2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #3
2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #2
2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Não São Só Rochas #1
2011, lápis de grafite s/ papel, 20x20 cm

Zona de Risco #1

2011, tinta da china s/ cartão, 82x120 cm

Zona de Risco #3
2011, tinta da china s/ cartão, 41x60 cm

Zona de Risco #2
2011, tinta da china s/ cartão, 41x60 cm

Clivagem #1

2011, óleo s/ tela, 100x135 cm

Vistas da exposição

2011-05-06T07:54:00.000-07:00

Iraida Lombardia

A origem do meu Mundo

Instalação multidisciplinar

De 28 de Abril a 21 de Maio

“Em qualquer fotografia, mesmo quando as aparências são coerentes, os elementos que entendemos/percepcionamos como “reais”, não passam de meras ilusões, “a simulação da realidade adaptada/moldada à vontade” (1). (…)aqui encontra-se a questão essencial: pode um retrato representar uma pessoa? Roland Barthes procurava a sua mãe morta nos álbuns de fotografia de família; porém, quanto mais se debruçava sobre a essência da sua identidade, mais se debatia entre imagens particularmente autênticas que se revelavam, por conseguinte, totalmente falsas. O retrato fotográfico de Margarita Alonso é quase ela, mas assumir este quase, implica assumir que não é ela. Consciente da “substância de um engano” (2), Iraida Lombardia emprega um discurso rizomático recorrendo a diversos elementos – objectos, som e multimédia – que interagem com a fotografia central, reduzindo a sua ambiguidade, “o abismo entre o momento registado e o momento em que se observa” (3). Esta amplitude de representação só pode ser possível quando se olha para o caminho que ficou para trás, recolhendo sinais e eventos, linguagens e memórias, dando um significado através da conexão dos elementos e relacionando histórias aparentemente desconexas. (…) Mais do que nunca, consumimos bulímicamente um maior número de imagens, mas faltam informações para podermos interpretar a realidade através delas, sendo assim apenas miragens, ilusões. E mais do nunca, temos que nos socorrer dos filósofos que desde Platão, sempre tentaram “reduzir essa dependência, evocando um modelo de apreensão do real livre de imagens” (4)

Excerto de texto da autoria de Jaime Luis Martín, retirado do catálogo da exposição El origen de mi mundo, na Pinacoteca Municipal de Langreo Eduardo Úrculo, Langreo, 2009

(1) Abel H. Pozuelo: “No se ve, no se toca, está fuera de campo”, Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid, 2009
(2) No trabalho de Iraida Lombardia, a fé é usada como algo que nos faz acreditar na verdade de uma fotografia e na pureza de uma paisagem: a substância de um engano”, Abel H. Pozuelo, “No se ve, no se toca, está fuera de campo”
(3) John Berger Y John Mohr: “Ottra manera de contra”, Editorial Mestizo, Murcia, 1998, p.88
(4) Susan Sontag: Sobre la fotografiía, Ed. Edhasa, Barcelona, 1996, p.163

Margarita

(1/3) 2009, lambada print, 150x150cm

Vídeo, corvo, som

Estante 2

(1/3) 2009, Fotografias

Macieira

(1/5) 2009, lambada print, 75x75cm

Caixa de costura, video em loop, som

Hortense

(1/5) 2009, lambada print, 75x75cm

Jarro com flores murchas

(1/5) 2009, lambada print, 50x50 cm

Bloco

(1/3) 2009, lambada print, 50X50 cm

Fotografias e vídeo em loop

Cemitério

2009, lambada print, 50x50 cm

Mesa, espelho e diapositivos, som

Solar

(1/5) 2009, lambada print, 75x75 cm

Estante 1

(1/3) Fotografia (1950), 18x13 cm, rádio

Vistas da Exposição

2011-04-13T10:09:00.000-07:00

Fernando Mesquita

Quando tudo era selvagem e azul

Pintura / Instalação

31 de Março a 23 de Abril

“O trabalho de Fernando Mesquita, como outros anteriores, denotam a abordagem poliédrica na concretização de trabalhos de natureza diferente numa variedade de materiais que, no entanto, partilham um extenso processo de recolha, ordenação, colagem, associação e modelagem dos eventuais materiais disponíveis – imagens, objectos e até notas musicais – capazes de responder a determinadas constrições espaciais e temporais, então transformadas em ferramentas de trabalho maleáveis. Misticismo e simbolismo são ideias algo estranhas aos cânones de produção artística do Modernismo Ocidental, em particular a movimentos como o Fluxus de que a prática heterogénea e temporal de Mesquita nos recorda. Como muita da arte Fluxus ou dos artistas Conceptuais dos anos 60 e 70, Mesquita ocupa-se em grande medida com o processo, simplicidade e humor. Por exemplo, em 2009, para uma exposição curada pelo artista português Hugo Canoilas a inaugurar simultaneamente em vários art spaces na Europa, Mesquita apresentou a performance Love Song on Easter Sunday, dois coelhos dentro de uma caixa de acrílico transparente do mesmo tamanho que um teclado-midi, ligados a uma câmara, um PA e um projector. Enquanto os animais percorriam o teclado (ou se sentavam passivamente), tocavam involuntariamente notas que lembravam as de uma composição experimental de música avant-gard. De forma semelhante ao espírito Fluxus, esta peça valoriza a simplicidade sobre a complexidade: o aparato é mínimo, a performance é breve, o todo é regido pela “improvisação”. Os trabalhos de Mesquita procuram elevar o banal para criar uma consciência do quotidiano, para ironizar insolentemente a seriedade de consagrados movimentos artísticos da segunda metade do século passado. O evidente diálogo entre os trabalhos de Mesquita e os de Dieter Roth ou de Robert Motherwell, para apontar alguns exemplos pertinentes, é baseado num coeficiente de “energia” e “intensidade” típico deExpressionismo Abstracto, Fluxus e Arte Conceptual. Na sua exposição de referência When Attitudes Become Form, 1969 na Kunsthalle de Berna, Harald Szeemann, o mais importante curador da segunda metade do século passado, juntou Minimalistas e Conceptuais de acordo com o princípio que a arte depende do gesto do artista,que a sua energia e intensidade podem ser tão poderosas ao ponto de derrubar instituições. Szeemann tinha a intuiçãoque a arte feita de forma livre e imaginativa não é necessariamente oposta à forma, que mesmo os trabalhos mais formalistas ou mais conceptuais são matéria de envolvimento pessoal e emocional, como demonstrado pelo pronunciamento de que certos objectos são arte, a mudança de interesse do resultado para o processo artístico, a interacção com os materiais.”

Excerto de texto de Diana Baldon, retirado do catálogo da exposição Holy Mountains, na Giefarte, Lisboa Diana Baldon é curadora freelancer (entre outros, 2nd Athenes Biennalle: HEAVEN) e escritora (entre outros, Artforum Internacional e Afterall). Desde de 2005 dirige palestras internacionais, conversas e painéis sobre curadoria e arte contemporânea. Vive e trabalha em Viena.

Asa de coruja

2011, gesso, 52x116 cm

Asa de coruja

2011, cerâmica, 49x25 cm

Before the blue sky #24

2011, óleo e acrílico s/gesso, 24x33 cm

Before the blue sky #29

2011, óleo e acrílico s/gesso, 24x33 cm

Before the blue sky #27

2011, óleo e acrílico s/gesso, 24x33 cm

Before the blue sky #20

2011, óleo e acrílico s/gesso, 24x33 cm

Before the blue sky#21

2011, óleo e acrílico s/gesso, 24x33 cm

Before the blue sky #30

2011, óleo e acrílico s/gesso, 24x33 cm

Asa de coruja #3

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #9

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #1

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #6

2011, tinta permanente s/papel, 31x41cm

Asa de coruja #2

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #4

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #7

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #5

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #10

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

Asa de coruja #8

2011, tinta permanente s/papel, 31x41 cm

2011-04-13T10:05:00.000-07:00

Vistas exposição

2011-03-03T10:22:00.000-08:00

João Fitas

Pintura 1

De 17 de Fevereiro a 19 de Março

Sopro - Projecto de Arte Contemporânea apresenta a exposição intitulada Pintura 1 do artista João Fitas.

Os trabalhos incluídos nesta mostra resultam de uma pesquisa e reflexão sobre a própria pintura. Para isso, o artista parte da apropriação de obras de pintores “inscritos” na História de Arte, numa tentativa de restabelecimento da memória, introduzindo, no entanto, uma simbologia contemporânea, re-criando, assim, o seu/nosso tempo.

Através das “paisagens apropriadas” e da simbologia atribuída à figura do cavalo, João Fitas, por vezes com humor, parece querer questionar, reapreciar, o espaço e o tempo de representação, ou numa visão mais abrangente, o mundo natural contrapondo-o com a artificialidade da forma construída pelo homem.

Cavalo da playmobile s/paisagem segundo David Friedrich

2010, óleo s/tela, 50x65 cm

Escultura equestre com 62 mm de altura #1

2011, óleo s/papel, 70x50 cm

Retrato equestre sem cavalo

2011, óleo s/ tela, 150x116 cm

Par de Botas

2010, óleo s/tela, 80x60 cm

Cavalo Preto

2010, óleo s/tela, 200x240 cm

Cavalo Branco

2010, óleo s/tela, 200x150 cm

Cavalo da playmobile s/paisagem segundo Hyppolyte Leconte

2010, óleo s/tela, 150x150 cm

2011-03-03T10:08:00.000-08:00

Vistas exposição

2011-02-08T09:01:00.000-08:00

Exposição Colectiva

Pintura e Desenho

André Alves
Bruno Borges
Fernando Mesquita
Patrícia Sousa
Miguelangelo Veiga
Ricardo Pistola
Romeu Gonçalves

20 de Janeiro a 12 de Fevereiro

Romeu Gonçalves

S/Título (EUA), 2010, acrílico s/papel, 70x70cm

Romeu Gonçalves

S/Título (Alemanha), 2010, acrílico s/papel, 70x70 cm

Patrícia Sousa

Something out of service #4, 2005, acrílico s/tela, 150x200 cm

Patrícia Sousa

Sala de Audiências, 2005, acrílico s/tela 60x200 cm

Ricardo Pistola

S/Título, 2009, acrílico s/tela, 80x150 cm

Ricardo Pistola

S/Título, 2009, acrílico s/tela, 100x100cm

Bruno Borges

Muro, 2009, óleo s/tela, 110x140 cm

Bruno Borges

Campismo, 2009, óleo s/tela, 120x130 cm

Miguelangelo Veiga

S/Título, 2009, acrílico e tinta da china s/tela, 110x160cm

Miguelangelo Veiga

S/Título, 2009, acrílico e tinta da china s/tela, 80x80 cm

Fernando Mesquita

Three wishes #3, 2008, acrílico e verniz s/madeira, 183x170 cm

Fernando Mesquita

The Architec's Dream #5, 2007, técnica mista s/papel, 75x105 cm

André Alves

A estratégia não tolera variações #3, 2010, grafite e acrílico s/papel, 40x48,5 cm

André Alves

A estratégia não tolera variações #7, 2010, grafite e acrílico s/papel, 40x45,4 cm

André Alves

A estratégia não tolera variações #3, 2010, grafite e acrílico s/papel, 40,5x47 cm

André Alves

A estratégia não tolera variações #2, 2010, grafite e acrílico s/papel, 38,04x45,5 cm

2011-02-08T08:49:00.000-08:00

Vistas da exposição

2010-12-17T08:52:00.000-08:00

JORGE LEAL

APPROXIMATELY EIGHTY KILOS OF MATTER IN THE UNIVERSE

02 de Dezembro de 2010 a 15 de Janeiro de 2011

matéria. s.f.. 1. Substância que compõe qualquer corpo sólido, líquido ou gasoso. 3. Substância física, considerada em oposição a espírito.
Dicionário da Língua Portuguesa Contemporânea

“(...)
you have never
seen
the Edge of
yourself
(...)
Charles Bukowski, The Last Night of The Earth Poems

Há cerca de meio ano recomecei a fazer auto-retratos dum modo continuado. Não foi uma busca autofágica, foi um regresso a um tema que em determinados períodos me tem servido para reavaliar o meu trabalho. Por outro lado, o meu desejo de começar a trabalhar o tema retrato de um modo mais continuado faz do auto-retrato o mais imediatamente exequível (e preparatório).

O auto-retrato sempre foi um mecanismo utilizado pelos artistas para fazerem um ponto da situação pessoal. Ao mesmo tempo é muitas vezes considerado como um gesto de cultivo de uma paixão narcísica. No caso destes trabalhos que apresento há, para além duma paragem e tentativa de estabelecer um ponto de partida para algo ainda incerto, um lado de desconstrução do meu ser social. São retratos calculados para mostrarem na mesma medida que escondem, numa clara simpatia pela ideia do falhanço de qualquer representação pictórica (apenas tintas orquestradas sobre tela). Isto remete igualmente para o excerto do poema do velho Buk, para a permanente cobardia perante a exposição total.

Os trabalhos que apresento correspondem a um conjunto começado no verão de 2009 em Barcelona e acabado em Lisboa em Novembro de 2010. Ao preparar a exposição tive sempre a intenção de ter, como complemento aos auto-retratos, imagens que traduzissem o confronto com outras fontes de interesse e me permitissem ser o mais genuíno possível na apresentação de mim mesmo. Talvez os cerca de oitenta quilos da minha matéria não fossem para mim tema suficientemente do espírito. A possibilidade de não atingir o limite enunciado pelo Bukowski é assumida. Um homem sem limitações é um homem sem carácter.

Novembro 2010
Jorge Leal

Rorschach

2010, óleo s/tela, 75x120 cm

Auto-retrato

2010, óleo s/tela, 120x80 cm

Auto-retrato

2010, óleo s/tela, 81x60 cm

Auto-retrato

2010, óleo s/tela, 90x62 cm

A Palm Tree

2010, óleo s/tela, 120x120 cm

Herbário

2010, óleo s/tela, 64x130 cm

Abbott

2010, óleo s/tela, 81x130 cm

Gibões

2010, óleo s/tela, 110x46 cm

Elefantes

2010, óleo s/tela, 146x114 cm

Auto-retrato

2010, óleo s/tela, 116x89 cm

Gauguin

2010, óleo s/tela, 75x92 cm

Auto-retrato

2010, óleo s/tela, 100x65 cm

Auto-retrato

2010, óleo s/tela, 100x81 cm

Auto-retrato

2010, óleo s/tela, 100x100 cm

Barajas

2010, óleo s/tela, 60x130 cm

2010-12-17T08:34:00.000-08:00

Vistas da Exposição

2010-10-21T09:09:00.000-07:00

Lúcia Prancha e Sara Nunes Fernandes

Uma exposição de Lúcia Prancha e Sara Nunes Fernandes

14 de Outubro a 27 de Novembro

Exposição de Performance, Vídeo e Instalação

A Lúcia morava em São Paulo na altura, e a Sara em Londres. A Sara mudou-se para São Paulo durante dois meses e prepararam uma residência auto-gerida e independente nessa cidade. Durante esse período foram produzidos e documentados 3 eventos: um ensaio público entre duas bandas locais – o grupo de choro da ECA (Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo) e a banda punk D.I.Y Human Trash – na Praça do Patriarca em São Paulo; a produção pública de um filme no Museu Brasileiro da Escultura onde amigos e visitantes foram convidados a narrar a história possível dos seus antepassados, desde o mais antigo até ao mais recente; uma viagem filmada de bicicleta no Minhocão às 6h20 da manhã (o Minhocão é um viaduto para carros no centro da cidade que encerra ao trânsito rodoviário diariamente das 21h30 às 6h30).
Tinha surgido a possibilidade de uma exposição em Outubro em Lisboa e o trabalho desenvolvido foi-se adaptando ao formato da exposição. Cada documentação foi re-analisada de modo a re-apresentar de modo objectual o contexto de cada um dos eventos. Por outras palavras, se o método de documentação para cada um dos eventos foi diferenciado dependendo do contexto de cada um, já a própria apresentação da documentação foi formatada de modo a materializar da melhor forma possível a energia e contexto inerentes a cada um dos eventos.
Nos meses anteriores da exposição, e durante o período da colaboração, foi mantido entre as duas artistas um blog de pesquisa e esclarecimento do processo de colaboração: http://negociatas.vivyanefernando.info

Uma viagem de bicicleta, mo Minhocão, às 6h20 da manhã (minutos antes da passagem a espaço funcional só para carros)

2010, vídeo PAL, 17´51''

série de desenhos Gritos de Guerra

2010, caneta s/papel, dimensões variáveis (35 desenhos)

Grupo de Choro da ECA e Human Trash ensaiam em conjunto na Praça do Patriarca

2010, vídeo PAL, 59'11''

Réplica de totem de Lina Bo Bardi

2010, vidro e cimento, 185x90x40 cm

2010-10-21T08:35:00.000-07:00

Vistas da exposição

2010-09-23T08:32:00.000-07:00

André Alves

O absurdo quer-nos de volta
Ou
O melancólico enquanto duplo.

desenho, vídeo e instalação

9 de Setembro a 9 de Outubro

A tragédia enleia-se no pensar como as pessoas falham. A tragédia não fala de um perdedor mas de eventual falha. Precisamente porque a tragédia não aceita ou permite o falhanço (porque a tragédia, deseja sempre a vitória, e a falha violenta o espírito), a tragédia aparece como grito, o sinalizar do inoportuno acontecimento.

A tragédia é sempre desapegada da ideia de impasse. O impasse é qualquer coisa de contrário ao espírito, porque bloqueia o sujeito na sua própria subjectividade. E aí o mantém refém. Nesse lugar, donde a tentativa de perceber o mundo é sempre irrazoável. Ainda que irrazoável, todas as contradições que o espírito mede devem ser vividas; sem a aceitação do absurdo, com a sua constante confrontação. E são elas, as absurdas e insólitas situações, que radicalmente pontuam as vidas de cada um.

Em O absurdo quer-nos de volta ou o melancólico enquanto duplo, procuro criar um percurso sobre “o que interessa” e é mobilizado para o agir.

A galeria não aparece apenas como motor metafórico mas parte de um sujeito - lugar. E neste caso, de um campo de estudo. Começo com essa ideia do falhar, e da aprendizagem para não falhar. E com a descoberta. E de quem a faz. E como.

O absurdo quer-nos de volta ou o melancólico enquanto duplo cria um contexto para uma mudança e a possibilidade de mudança: exibem-se as resoluções “contra o realismo”, e de que “o impasse é de ordem ética e não, estética.”

Ao longo deste percurso passam-se por “momentos” distintos, séries que traquejam a ambivalente relação sobre quem e o que se descobre. Há mais interesse pelo carácter de quem confronta a absurdez, antes de mais reconhecendo-o e aceitando-o. Por isso aqui chamo o melancólico e a sua conotada (e esquecida) natureza dupla, o defluxo que provoca ora resignação ora ânimo, e essa maravilhosa complexa gestão entre pousio e acção.

Em Os mesmos problemas, não interessa qual a natureza do complexo, mas a resolução do complexo. Em A dupla natureza da mudança examinam-se os “humores clássicos” (temperamentos pessoais que constituem os indivíduos), disfarce e farsa, o carácter de quem muda, de quem descobre. Em Quase a viver frisa-se que a escolha de um caminho complexo obriga sempre o olhar atrás, o legado, a tensão entre continuidade e permanência, corte ou reconhecimento. Em Serôdio somam-se estas questões pensando a ideia de papel a cumprir e sublinha-se (ou tenta-se) a crença de que todos devem ser empurrados e defendidos.

Contra o realismo

2010, técnica mista, dimensões variáveis

Interno/Eterno (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

Safar/Sanar (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

Imundo/Mundano (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

Presente/Pressente (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

Degustar/Desgostar (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

Sudário/Sumário (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

Revisa/Remissa (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

Modéstia/Moléstia (série Os mesmos problemas)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

A absurda aflição do Melancólico (série A dupla natureza da mudança)

2010, grafite s/papel, 66x50 cm

A absurda aflição do Sanguíneo (série A dupla natureza da mudança)

2010, grafite s/papel, 76x56 cm

A absurda aflição do Fleumático (série A dupla natureza da mudança)

2010, grafite s/papel, 76x56 cm

A absurda aflição do Colérico (série A dupla natureza da mudança)

2010, grafite s/papel, 76x56 cm

Suporte (série Quase a viver)

2010, grafite s/papel, 110x75 cm

Revolução (série Quase a viver)

2010, grafite s/papel, 110x75 cm

Sucessão (série Quase a viver)

2010, grafite s/papel, 110x75 cm

Serôdio

2010, Dv-Pal, Cor, Som, 07'44''

2010-09-22T10:41:00.000-07:00

Vistas da Exposição

2010-06-22T08:50:00.000-07:00

Romeu Gonçalves

Behind the scenes
Desenho, Vídeo e Escultura

02 de Junho a 24 de Julho 2010

Os trabalhos apresentados nesta mostra resultam da exploração e do questionamento dos diversos domínios que rodeiam a existência de uma obra de arte. Partem de uma reflexão sobre os conceitos que envolvem a obra de arte enquanto objecto, material, expositivo, simbólico, comercial, histórico...Desde o processo de criação e concretização artítica da obra de arte, assim como do seu transporte, manutenção, exposição, comercialização ou até potencialmente a sua própria destruição...Os procedimentos que envolvem, promovem, circundam, e perpetuam a existência de uma obra de arte.

O questionamento leva a uma desconstrução dos sistemas e a uma nova reconsfiguração. Transfigurados, os lugares e processos são desprovidos do seu valor ou importância, e tomam novos significados.

2010-06-19T10:25:00.000-07:00

Mármore VS MFD, 2009, mármore e MFD, 2x96x30x30cm

Diário de Notícias, 2010, acrílico s/papel, 101x72 cm

ABC, 2010, acrílico s/papel, 101x72 cm

Die Welt, 2010, acrílico s/papel, 101x72cm

Jornal de Angola, 2010, acrílico s/papel, 101x72 cm

Granma, 2010, acrílico s/papel, 101x72 cm

Los Angeles Times, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5cm

Estimate $52,200-67,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5cm

Estimate $22,000-29,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $20,000-30,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5cm

Estimate $18,000-20,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5cm

Estimate $12,000-18,000, 2010, acrílioc s/papel, 33,5x29,5cm

Estimate $11,500-17,500, 2010, acrílioc s/papel, 33,5x29,5cm

Estimate $10,000-15,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $8,900-11,900, 2010, acrílico s/papel, 33.5x29,5 cm

Estimate $8,000-12,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $6,000-9,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $6,000-7,500, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $3,000-5,000, 2010, acrílioc s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $2,5003,500, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $2,000-...,000, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Estimate $1,500-2,500, 2010, acrílico s/papel, 33,5x29,5 cm

Sem Título, 2010, acrílico s/papel e fóssil, 1,45x1,45cm, dim.variáveis

Sem Título, 2010, mármore, MFD, 1,01x30x30 cm

Chama, 2010, vídeo s/som, 10'51''

França, 2010, acrílico s/papel, 70x70 cm

Alemanha, 2010, acrílico s/papel, 70x70 cm

Reino Unido, 2010, acrílico s/papel, 70x70 cm

EUA, 2010, acrílico s/papel, 70x70 cm

2010-06-19T09:03:00.000-07:00

Vistas Exposição

2010-04-07T07:59:00.000-07:00

ANA SÉRIO

Sobre Papel
Desenho, Pintura e Escultura

De 25 de Março a 22 de Maio

Sopro - Projecto de Arte Contemporânea, apresenta a exposição de Desenho, Pintura e Escultura intitulada Sobre Papel, da artista Ana Sério.
Na sequência da pesquisa estética que a artista tem vindo a desenvolver nos últimos anos, Sobre Papel reúne uma série de trabalhos em que se procura operar a partir do processo de Revelação/Ocultação, bem como sobre o que está "o outro lado" do real no momento dessa passagem. A ideia subjacente não é a de representar de algum modo a especularidade mas o que pode estar para lá dela.
Tendo como pano de fundo influências literárias extraídas, em total liberdade criativa, de diversas obras, nomeadamente de Lewis Carroll e Jorge Luis Borges (em que existem alguns elementos comuns, a saber: os espelhos, a ilusão, a circularidade, a duplicidade e o eterno retorno), procurou chegar a algo que fosse próprio da pintura ou da escultura.
Em todos os trabalhos apresentados nesta exposição (pintura/desenho/escultura) há espaços vazios e formas matéricas que funcionam como um mediador (no caso das caixas, o espelho), uma espécie de entrada e/ou saída para uma dimensão distinta e única da prática artística.
Jorge Luis Borges afirma algures que os espelhos representam e são uma promessa de infinito e, na perspectiva de Ana Sério, o labor do artista deve ser essa busca de infinitude. Na obra de Lewis Carroll, Through the Looking Glass, Alice atravessa um espelho para passar para o outro lado, consubstanciando, neste caso, um espaço onírico, de desejo, que é, a todos os títulos, estímulo de visões de grande intensidade gnoseológica.

Símbolo II

2010, óleo s/papel, 71x67 cm

Símbolo V

2010, óleo s/papel, 69x71 cm

Símbolo III

2010, óleo s/papel, 71x72 cm

Hipótese de Tlön II

2010, óleo s/papel, 153x106 cm

Hipótese de Tlön I

2010, óleo s/papel, 153x122 cm

Símbolo VI

2010, óleo s/papel, 64x71 cm

2010, choupo, espelho e óleo s/papel, 40x94x50 cm

Revérbero XIV

2010, choupo, espelho e óleo s/papel, 37x33x10,5 cm

Revérbero XVI

2010, choupo, espelho e óleo s/papel, 35x53x18 cm

Interior I

2009, óleo s/papel, 151x126 cm

Antecâmara do Segredo I

2009, óleo s/papel, 151x129 cm

Antecâmara do Segredo IV

2009, óleo s/papel, 160x111 cm

Segredo II

2009, óleo s/papel, 112x91 cm

Símbolo I

2009, óleo s/papel, 69x71 cm

2010-04-06T08:41:00.000-07:00

Vistas Exposição

2010-03-10T09:48:00.000-08:00

Miguelangelo Veiga

Remains To Be Seen
(Restos Para Serem Vistos / Permanece Para Ser Visto)

25 de Fevereiro a 20 de Março

Se, ao primeiro olhar, as suas telas parecem depuradas de cor e de elementos desviantes do que podemos definir como forma principal, é com facilidade que ao aproximarmo-nos percebemos que estas imagens foram construídas sobre uma superficíe de destroços.

Várias camadas de tintas, veladas por uma última pele de branco opaco, deixam reconhecer algumas cores que conseguiram escapar a um processo de devastação; esta última proporcionando um vazio que passa a funcionar com uma subtil membrana que mais do que espaço inerte, manifesta-se como cenário propício para a (re)construção dessa forma final num enigmático fundo activo.

São imagens de uma arquitectura estilhaçada, memória de um lugar inicial, exterior, como aqueles que nos são dados a conhecer pelos media sempre que acontece uma catástrofe. Cada forma resulta da apropriação de uma imagem mediática que, depois de analisada e corrigida, transforma-se numa "arquitectura de ruínas". O duplo sentido do título escolhido para esta exposição assim o indica, Remains To Be Seen, à semelhança de outras obras deste autor, como Palácio De Cristal (Centro de Arte Moderna, 2007), Blind Spot (Voyeur Project View, 2008) ou Vista Sobre o Mercado (Sopro, 2009), enfatiza mais uma vez a relação condicionada entre a obra e o espaço que esta ocupa.

Remains To Be Seen

2008/2010, tinta acrilíca e tinta da china s/tela, 160x220 cm

Remains To Be Seen

2008/2010, tinta acrilíca e tinta da china s/tela, 160x220 cm

Remains To Be Seen

2008/2010, tinta acrilíca e tinta da china s/tela, 160x220 cm

Remains To Be Seen

2010, acrilíco e tinta da china s/tela, 110x160 cm

Bigger than the space between us

(instalação site specific)

Remains To Be Seen / Landscape

2010, acrilíco s/tela, 255x450 cm

Remains To Be Seen

2008/2010, acrilíco e tinta da china s/tela, 22x30 cm

Remains To Be Seen

2007/2010, acrilíco e tinta da china s/tela, 22x30 cm

Remains To Be Seen

2008/2010, acrilíco e tinta da china s/tela, 22x30 cm

2010-03-10T09:30:00.000-08:00

Vistas Exposição

2010-01-08T08:02:00.000-08:00

à crise..

Salão de Desenho

10 de Dezembro a 20 de Fevereiro

"A crise é uma mudança que sobrevém no curso de um processo degenerativo violento, de uma doença provocada por partículas desconhecidas (o estranho) ao corpo. As quais se manifestam através da incapacidade do físico em se exibir de acordo com o estipulado pelas normas e regras vigentes. Ao desviar-se do original (o singular), esta é uma perigosa conjuntura que tem persistido ao longo da história da humanidade - romanização, cruzadas, descobrimentos, renascimento, capitalismo, globalização, etc. - e que qualifica e determina o cânon ocidental (o exterior a influir sobre o secular). Usualmente, a crise é precedida e justificada por movimentos de contracção interna. O sujeito, como um único órgão, contrai-se e toma o efeito da redução das duas formas expressivas - a degenaração e a regra - em uma só. À é um elemento que tanto significa adjunção , aproximação, passagem a um estado , como apresenta o sentido de afastamento, de privação pelo qual os fenómenos desconhecidos se manifestam. Demonstra várias relações - sociais, económicas, políticas ou culturais -, enquanto indica a relação existente entre o sujeito e o predicado. Ao preceder a crise, a palavra à designa simultaneamente a coisa que exprime a substância, e indica o ser sobre o qual recai directamente a acção expressa, ao substituir, na oração, o nome. Nesta disposição sintáctica, denatureza civilizacional, os artistas têm as suas mentes na ordem caseira, no espaço Oikos, o centro da actividade doméstica (o primitivo); por oposiçãoà natureza da Polis grega , ou da Domus romana, o espaço arquitectónico de reunião e conflito público, ou seja, a praça pública onde se encontra o mercado (o duplo). Para os artistas, os seus espaços domésticos, estão sempre com eles. Tomemos, por exemplo, o navio. Para um marinheiro o navio é o seu espaço privado, inserido no espaço público, o mar, e o mesmo para o seu país. Para nós, todos os navios se parecem uns com os outros, e o mar é sempre o mesmo. Mas, para qualquer marinheiro, "não há nada de misterioso, a não ser o próprio mar, que é a amante da sua existência e inescrutável como o Destino" (Joseph Conrad, Heart of Darkness, p.3, tradução do autor). No mercado, na sociedade onde se encontra inserida, o destino da obra de arte é paraeconómico, pois não sendo propriamente um factor económico, está ligada à economia. Visão Sobre o Mercado (2009), de Miguelangelo Veiga (com 1000cm, a obra é vendida exclusivamente em múltiplos de 50 cm, esta requer a criação de uma evidência física da sua existência , tem de ser fotografada, e, ainda, tem de passar pelo acto de validação, através da assinatura do artista) ou as peças de Mikael Larsson (pequenas máquinas de registo de uma acção - o mecanismo é composto por dois tornos de precisão, reflectidos à distância de duas canetas de feltro, a tocar na superfície emulsiva, por onde passa uma fina folha de um rolo de caixa registadora) exprimem várias relações, nas quais uma dessas ligações está conforme aos preceitos da economia - qualificam a sua causa ao encontrar a sua individualidade na multiplicidade da economia. No entanto, esta qualificação transporta-nos para o oikonomikos (a gestão da casa), a unidade básica da sociedade, mas também onde ocorrem na sua maioria os adultérios: Miguelangelo Veiga e Mikael Larsson, e ainda, Sara Nunes Fernandes, The Hut Project, Paulo Mendes, Giorgio Sadotti pervertem o efeito do fenómeno de forma diversa (contrária) do que costuma ser. Criam uma paradinamia, ou seja, na imutabilidade das suas imediações, a versátil imensidão da vida é, também, na obra de arte, gerada e velada não por um sentido misterioso, mas por uma certa insipiência desdenhosa, esquiva. Também, nas peças de Francisco Sousa Lobo, Backward e Forward (ambas de 2009), de Ana Guedes, Natureza morta contra parede (2009), de Francesca Anfossi, Escalator (2007) e de Fernando Mesquita, o motivo é transformar a energia produtiva bruta - a relação entre a arte (como singularidade) e a economia (como multiplicidade); entre uma obra de arte, com todas as implicações que daí advêm, e um produto resultante do consumo; mas essencialmente a ligação entre o real e a ilusão, a semelhança entre a verdade e a mentira, o reflexo do nós nos outros - em fenómenos pelos quais se manifestem a presença de partículas elementares, quer em repouso, quer em movimento. Apesar do quotidiano socioeconómico (antes capitalismo, agora globalização) parecer sempre o mesmo - como se estivéssemos parados sempre no mesmo lugar sem nos mover, mas, quando, na realidade, passamos por vários lugares, locais ocorrem trocas, transformações - as infogravuras Where do You Want to Go Today? Web Search Interest: Travel (2009), de Patrícia Sousa, chuvas ácidas (estudos sobre a possibilidade de grande tenpestade mundial), série I, (2009), de Lúcia Prancha, ou a série de gráficos desenvolvida por Romeu Gonçalves testemunham, como funções matemáticas representativas, a nossa vivência diária. A informação visual gráfica parece pertencer a uma sórdida farsa representada em frente de um sinistro pano de fundo. Com alcance internacional, o "salão de desenhos", à crise.. é um espaço aberto para o debate, com ênfase em temas actuais da arte contemporânea. Apresentada numa "galeria" e com uma disposição derivada dos "salões" do início do século vinte, ou seja, apresenta-se inscrita no domínio tradicional expositivo do espaço galerístico (cubo branco). Pessoalmente, à crise é também uma só palavra, a qual implica e tem implícito que, se tu não gostas do lugar onde vives, muda-te (um dos indicativos desenhos do outro, por Adam Latham). Assim, neste contexto, o verbo, na sua função sintáctica, surge como uma palavra-ordem (o título da exposição comanda e é ordenado por - no sentido do movimento que anima o physis, mas, em simultâneo, sob o nome do logos, implica também a predicação da palavra). A simplicidade das obras apresentadas e a complexidade da realidade prevalece enquanto convidam à reflexão sobre uma variedade de eventos actuais. Ao abordar o potencial humano e artístico a exposição fomenta debates sobre os corpos estranhos (a ilusão da luz) e a participação."

Rui Gonçalves Cepeda

Martinha Maia

S/Título

2007, monotipias s/papel, 45x37 cm

Martinha Maia

S/Título

2007, monotipias s/papel, 45x37 cm

Manuel Furtado dos Santos

S/Título

2009, técnica mista s/papel, 25x18 cm

Manuel Furtado dos Santos

S/Título

2009, caneta s/papel, 18x25 cm

Manuel Furtado dos Santos

S/Título

2009, caneta s/papel, 18x25cm

Patrícia Sousa

Over exposed city

2007, tinta da china s/papel, 31x20 cm

Giorgio Sadotti
Only Look
2009, colorama photographic backdrop paper, 119x82 cm

Manuel Santos Maia
alheava_a escala (Companhia_Portugal - estudos)
1999-2009, desenhos s/papel vegetal e papel de engenheiro, nota e imp.s/papel, dim.variáveis

Manuel Santos Maia
alheava_a escala (interior de casa - estudos)
1999-2009, desenhos s/papel de engenheiro, aguarelas s/papel, dim.variáveis

Manuel Santos Maia
alheava_a escala (ultramarina - estudos) (detalhe)
1999-2009, desenhos s/papel de engenheiro, imp. e aguarela s/papel, dim.variáveis

Carla Cruz
I would prefer to
2009, grafite s/papel, 42x29,8 cm

João Ferro Martins
Tambourin
2009, grafite s/pandeireta, 24 cm (diâmetro)x5cm

João Ferro Martins
S/Título
2009, acrílico s/papel de pauta, 29,7x21cm

Sara Santos

S/Título

2009, lápis de cor s/papel, 35x25 cm

Carlos Nornonha Feio

Acção/Acções II

2009, 20 desenhos a laser, 20 desenhos a papel químico, acrílico, madeira, 40x58x0,16cm

Sara Nunes Fernandes

Desenhado por um amigo e emoldurado pela minha mãe (Chris Bird)
2009, desenho, moldura, 36,2x29,2cm

Mikael Larsson

Untitled #1

2009, 2 tornos de precisão, canetas de feltro, papel, dimensões variáveis

The Hut Project

Fogo-de-artifício Desenhar

2009, firework residue, 56x50x50cm

Soraya Vasconcelos
Série de desenhos de parasitas e simbiontes
2009, caneta Bic s/papel, 30x42

Sara Nunes Fernandes
Se me fôr embora depois disto e me transformar em algo diferente vens salvar-me
2009, lápis s/papel, 9x13 cm

Sara Nunes Fernandes
A tinta preta mas, na verdade, a luz que passa pela árvore como a vejo da minha janela
2009, desenho a tinta preta recortado, 2x10x9cm

Romeu Gonçalves
Da Série Gráficos (2009)
2009, técnica mista s/papel, 70x70 cm

Romeu Gonçalves
Da Série Gráficos (2ST)
2009, técnica mista s/papel, 70x70 cm

Pedro Alves
S/Título (12)

2009, carvão s/papel, 18x25 cm

Paulo Mendes
O fogo arde durante a tempestade
2009, carvão s/papel kraft e pregos, 199x140 cm

Paula Prates

S/Título

2003, lápis de grafite s/papel, 14,8x21 cm

Patrick Coyle

Holding this objecty

2009, lixa, parafuso, folha A4, 5cm (diâmetro)

Miguelangelo Veiga

Vista Sobre o Mercado

2009, tinta da china s/papel, 1000x150 cm

Mara Castilho

O desgosto do mestre

2009, carvão, forgo, papel queimado e vidro, 18x24 cm

Lúcia Prancha

chuvas ácidas (estudos sobre a possibilidade de grande tempestade mundial), série I

2009, caneta e lápis de cor s/impressão digital e papel, 21x29,9 cm

Lara Torres com Ana Santos

Peça plana com molde de saia

2009, contraplacado, pano crú, 120x120x0,4cm

Francisco Sousa Lobo

Forward

2009, pastel de óleo s/papel, 102x67cm

Francisco Sousa Lobo

Backward

2009, pastel de óleo s/papel, 102x67cm

Francesca Anfossi

Easy Jet

2006, 23'', edition 1/5

Francesca Anfossi

Escalator

2007, photo etching and vinyl on paper, edition 4/8

Evgenia Tabakova

Lamp''

2009, tinta da china em papel com impressão inkjet, 29,9x21,1cm

Evgenia Tabakova

Untitled

2009, tinta da china e grafite s/papel com impressão inkjet, 11,5x16cm

Catarina Viana

De dentro para fora II

2009, cera, tinta acrilíca e grafite s/papel, 20,4x12,7

Catarina Viana

De dentro para fora III

2009, cera, tinta acrílica e grafite s/papel, 12,7x20,4cm

Catarina Viana

De dentro para fora I

2009, cera e grafite s/papel, 12,7x20,4cm

Bruno Borges

Telhado

2009, caneta e tinta da china s/papel, 21x29,7cm

Bruno Borges

Penedo

2009, caneta e tinta da china s/papel, 29,7x21cm

Bruno Borges

Muro

2009,caneta e tinta da china s/papel, 29,7x21cm

Bruno Borges

Lixo

2009, caneta e tinta da china s/papel, 29,7x21cm

Bruno Borges

Escada

2009, caneta e tinta da china s/papel, 21x29,7cm

Bruno Borges

Dança com Fantasma

2009, caneta e tinta da china s/papel, 29,7x21cm

Bruno Borges

Chão

2009, caneta e tinta da china s/papel, 21x29,7cm

Bruno Borges

Casa Partida

2009, caneta e tinta da china s/papel, 21x29,7cm

André Alves

Tributo; não se fazendo amigavelmente mas traiçoeiramente (detalhe)

2008, grafite fixa e guache sobre papel, 1,34x4mt

Ana Sério

Espaço(s) Reflectido(s) #12

2009, carvão s/papel, 50x65cm

Ana Sério

Espaço(s) Reflectido(s) #11

2009, carvão s/papel, 50x70cm

Ana Guedes

Natureza morta contra parede #2

2009, grafite s/papel, 50x70 cm

Ana Guedes

Natureza morta contra parede #3

2009, grafite s/papel, 70x100 cm

Adam Latham

If You Don't Like Where You Live You Shuold Move

2007, tinta e aguarela s/papel, 65x55cm

Adam Latham

Be A Winner In Hawaii

2007, tinta e aguarela s/papel, 70x55cm

Adam Latham

We Gat Binanas

2007, tinta e aguarela s/papel, 60x42 cm

2010-01-08T07:30:00.000-08:00

Vistas Exposição

2009-11-14T08:48:00.000-08:00

PATRÍCIA SOUSA

EQUATORIAL

Desenho, Pintura, Vídeo/Instalação

12 de Novembro a 5 de Dezembro

Dando continuidade a reflexões anteriores em torno do lugar contemporâneo e da procura do lugar ideal, Equatorial coloca-se como uma crítica às indústrias culturais que, pela repetição e pelo excesso, criam lugares de consumo rápido. Assim como o turismo de massas define constantemente novos lugares a serem considerados na rota do turista contemporâneo, também o turismo da arte promove, através destes eventos, novos lugares a serem visitados e onde a reflexão em torno das diferenças torna-se objecto de consumo, também ele rápido e superficial.

O conjunto de trabalhos apresentado na exposição procura, através da simulação e da recriação de estratégias de promoção, reflectir sobre a legitimação do lugar definido pelo acontecimento cultural e sobre o elogio da diferença que o torna banal.

Patrícia Sousa

Equatorial

2009, vídeo mini DV, cor, som, 4'53''

Where do You Want to Go Today? (Assam)